Содержание:
Введение
Истоки Возрождения
Живопись эпохи Возрождения
Скульптура эпохи Возрождения
Архитектура эпохи Возрождения
Заключение
Список используемой литературы
В в е д е н и е
Возрождение - качественно новый этап в истории западноевропейской культуры. Суть его – переход от эпохи средневекового видения мира к культуре Нового времени. Переход этот совершался во всех областях мировоззрения и мироощущения человека – в науке, религии, искусстве.
Ярче всего этот «культурный переворот» выразился в изменении целей и способов творческой деятельности. Новые методы приобретения научных знаний и образования, новая изобразительная система в живописи, новые жанры в литературе, новые формы социального поведения.
Культурное движение Возрождения, несмотря на формулу, заключённую в названии, было не возвращением античности/
Диалогом античной философии и эстетики, христианского мировидения и реалистического сознания народившегося буржуазного общества. В этом диалоге рождались гармония реального и идеального, материально-природного и духовно-божественного, рождался новый тип эстетического сознания.
Эпоха Возрождения была не временем воскрешения античной древности, а эпохой рождения принципиально новой европейской культуры.
Истоки Возрождения
Со времени возникновения науки о культуре проблема Возрождения считается одной из самых трудных. Термин « Возрождение» (по-французски «ренессанс» по-итальянски «ринашименто»), подчеркивающий возвращение культурных идеалов античности, появился в XVI веке для определения новой культурной эпохи, сменившей Средневековье.
Именно мыслители Возрождения стали называть Средневековье «мрачными», «тёмными» веками, противопоставляя этому периоду расцвет новой культуры. Но мы должны помнить, что исторически Возрождение появилось вовсе не после периода «варварства», а выросло на почве уже очень высокой, очень «учёной» и сложной культуры. На достижения этой средневековой культуры Возрождение опирается не меньше, чем на античное наследие.
Возрождение не отвергало христианскую культуру ради античности, но согласовывало их – черта, всё более утрачиваемая XVII и последующими веками. Чудо Возрождения – естественный продукт Средневековья. Поэзия вагантов и трубадуров подготовила Данте и Петрарку, они – поэзию XV-XVI веков. В средневековых соборах отправляли не только церковные службы, но и устраивали представления на религиозные темы. Из этих представлений вырос театр Возрождения. Ренессанс был подготовлен и выпестован средневековыми интеллектуалами, художниками, рыцарями, поэтами, историками. Тысячи и тысячи профессоров и студентов независимых университетов, философствующих монахов, вагантов, юристов, врачей, схоластов – вот эта почва, на которой взрастали новое мышление и новая культура.
Среди определений Возрождения нет общепризнанного. Мыслители, писатели, историки, искусствоведы предлагают свои объяснения этому культурному феномену, обращая внимание на разные его признаки. Если сгруппировать множество самых разных признаков, можно понять культурный смысл Возрождения как: расцвет культуры, переворот в культуре, переходный культурный этап, восстановление античности. Каждый из этих признаков проявляться независимо от Ренессанса, но только их совокупность образует качественно новую ступень в развитии культуры. Поэтому мы можем определить европейское Возрождение как время мощного культурного расцвета, восстановление многих культурных традиций греко-римской древности; решительную культурную перестройку и переходный этап к новому времени в истории европейской цивилизации. Возрождение- это не столько совокупность произведений культуры (картины, фрески, статуи, соборы, дворцы, поэмы, новеллы), но прежде всего новый тип мышления и религиозности, особый духовный склад и образ жизни. Именно благодаря этому Возрождение создало художественные произведения, знаменующие необратимый переворот в духовном развитии человечества. Искусство Ренессанса - самый ясный знак общекультурной переориентации.
Расцвет культуры в эту эпоху связан с повышенной энергией культурной деятельности, с созданием новых стимулов для культурного творчества. В это время образуется множество новых культурных центров. Культурная жизнь общества отличается особой интенсивностью. Художественная культура выходит за пределы сковывающих её средневековых рамок. Во всех видах человеческой деятельности ярко появляется творческая свобода. Самым убедительным признаком культурного расцвета в эпоху Ренессанса можно считать удивительную концентрацию на небольшом пространственно – временном отрезке людей великих, универсально одарённых, избравших новые пути творчества. Имена Петрарки, Боккаччо, Донателло, Брунеллески, Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело могут быть символами эпохи Возрождения.
Возрождение называют эпохой культурного переворота, чтобы подчеркнуть, что в это время в обществе происходят переустройство культуры, перемены в общественном сознании, старые механизмы культуры заменяются на новые, возникают новые культурные ценности. В эпоху Возрождения были поставлены под сомнения средневековые критерии оценки культурной деятельности.
Несмотря на происхождения термина «Ренессанс», возрождения античной древности не было и быть не могло. Но Ренессанс, используя уроки античности, вводил новшества в современной ему культуре. Он возвращал к жизни не все достижения античной культуры, а только те, которые созвучны устремлениям его времени.
Ренессанс «пересматривает» и средневековые культурные ценности.
Ренессанс соединил новое прочтение античности с новым прочтением христианства. Возрождение сблизило эти два основополагающих начала европейской культуры.
Основой культуры Нового времени начиная с эпохи Возрождения был поиск индивидуальности. Ни в одной культуре, включая античность, не было стремления выявить достоинство индивидуального мнения, вкуса, дарования, образа жизни.
Идея индивидуальности, впервые ярко проявившаяся в итальянском Возрождении, вполне сформировалась в эпоху Просвещения и только в прошлом столетии стала привычной в европейской культуре. Само слово «индивидуальность» (и «личность») появилось каких-то 200-300 лет назад. Жизнь людей была неотделима от рода, общины, корпорации. Конечно, из толпы выделялись античные герои и полководцы, средневековые аскеты и праведники, но они были высшим образцом общепринятого. С эпохи Возрождения начинается утверждение принципа единственности и оригинальности каждого индивида. Возрождение соединило природного человека античности и христианское понимание личности, наделенной свыше свободой выбора.
Этический и эстетический идеал Ренессанса – образ свободного, универсального, творческого человека, создающего самого себя.
Существует много разных мнений по поводу того, что же послужило социально-экономической базой Возрождения, Другими словами, почему именно в эту эпоху сложились общественно-экономические условия для появления людей, деятельность которых создавала новое культурное движение?
Со второй половины XIX в. (со времени классического капитализма) Ренессанс стали связывать с зарождением буржуазных отношений и буржуазной культуры. В многообразии фактов экономической истории, культурной жизни, научной деятельности и художественного творчества стали выделять всё то, что могло свидетельствовать о буржуазных корнях Возрождения. Действительно, Возрождение совпадает с началом капиталистического производства и обмена. Но Европа стала буржуазной только через два столетия после заката Ренессанса. Наличие капиталистических элементов в экономике эпохи Возрождения, несомненно, но не им принадлежало господствующее положение. Культура Возрождения развивалось не ради власти денег. Политическая теория мыслителей Возрождения не была идеологией одного из сословий. Она стремилась к тому, чтобы защищать интересы человека вообще. Этот идеал нельзя считать исключительно буржуазным.
Культура Возрождения – культура свободных городов. Их самостоятельное развитие создало благоприятные условия для освобождения человека от сковывающих рамок средневековых традиций, норм и идеалов.
Огромная роль в формировании ренессансной культуры по-прежнему принадлежала церкви; особенно в художественном творчестве, архитектуре и музыке. Церковь оставалась крупнейшим заказчиком и богатейшим меценатом. Феодальные монархи и патриции тоже содействовали развитию искусства. При дворах итальянских князей, которые становились крупнейшими меценатами, создавались особые условия для творческой деятельности ученых и художников, скульпторов и поэтов, философов и музыкантов.
Европейское Возрождение начиналось в Италии не только потому, что этому способствовали общественно-экономические условия развития свободных городов. Положение Италии в месте пересечения крупных художественных областей Средневековья (Франции, Германии, Испании, Византийской империи), непрерывные войны на её территории, которые связывали её судьбу с этими странами, иноземное (прежде всего восточное) влияние и возможность «культурного диалога» - все это приводило к разнообразию культурной жизни и появлению новой оригинальной художественной культуры. Итальянское Возрождение сообщало свои идеи и открытия мыслителям и художникам Франции, Германии, Англии и Нидерландов.
Живопись эпохи Возрождения
Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. XIII века. Проторенессанс ещё тесно связан со средневековыми романскими, готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII – начала XIV вв. ещё далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, ещё использую условные образы византийской изобразительной системы – скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведён, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделённом свойствами реальности – объёмом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приёмов передачи на плоскости объёма и трёхмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей, фигуры и здания приобретают плотность и объём.
По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа – серия росписей на темы Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчётливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи
XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам, - гармоническое начало возвышенную эллинскую красоту образов.
Жесткость и схематизм уступают место музыкальной плавности линий. Фигура Мадонны уже не кажется бесплотной. В средневековой живописи ангелы трактовались как знаки, как атрибуты Богоматери, они изображались как маленькие символические фигурки. У Чимабуэ они приобретаю совершенно новый смысл, включаются в сцену, это прекрасные юные существа, предвосхищающие тех грациозных ангелочков, которые появятся у мастеров XV века.
Творчество Чимабуэ было исходным пунктом тех новых процессов, которые определили дальнейшее развитие живописи. Но историю искусства невозможно объяснить только эволюционным путем. Иногда в нём обнаруживаются резкие скачки. Великие художники предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи ХIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337) . Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей.
Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто – цикл росписей в капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот уникальный живописный ансамбль – одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл. 38 сцен из жизни Христа и Марии («Встреча Марии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание» и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает формам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плотность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позволявший работать чистыми, яркими красками без темных теней, стал господствующим в итальянской живописи вплоть до ХVI века.
Реформа, произведенная в живописи Джотто, произвела глубокое впечатление на всех его современников.
Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства. Щедрость, размах художественного творчества в Италии ХV века создает впечатление небывалой творческой активности скульпторов и живописцев.
Слава основоположника живописи Кватроченто принадлежит флорентийскому художнику Мазаччо, умершему совсем молодым (1401-1428). На его фресках фигуры, написанные по законам анатомии, связаны между собой и с пейзажем. Его холмы и деревья уходят в даль, образуя естественную воздушную среду. Жизнь людей и природы связывается в еденное целое, в единое драматическое действие. Это новое слово в мировом искусстве живописи.
Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей в искусстве Италии. В нем существовало и боле консервативное течение. Художники этого направления были монахами, поэтому в истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был брат Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387-1455).
Характерная черта живописи позднего Кватроченто – многообразие школ и направлений. В это время складываются Флорентийская, умбийская (Пьеро дела Франческа, Пинтуриккьо, Перуджино) североитальянская (Мантеньи), венецианская (Джованни Беллини) школы.
Один из самых выдающихся художников Кватроченто – Сандро Боттичелли (1445-1510) – выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников.
В искусстве Боттичелли происходит своеобразный синтез средневекового мистицизма с античной традицией, идеалов готики и Возрождения. В его мифологических образах происходит возрождение символизма. Он изображает прекрасных античных богинь не в чувственных обликах земной красоты, а в романтических, одухотворённых, возвышенных образах. Прославившая его картина – «Рождение Венеры». Здесь мы видим своеобразный женский образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников. Боттичелли удивительно сочетал языческую чувственность и повышенную одухотворённость, скульптурную женственность и нежную хрупкость, изысканность линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Он один из самых поэтических художников в истории искусств. Он предпочитает символические, аллегорические темы, любит мечтать, выражаться намёком.
Ранний Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим.
Если искусство Кватроченто – это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса – это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к раскрытию общих закономерностей. Главное отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто в грандиозном обобщении.
Образ прекрасного, сильного духом человека составляет главное содержание искусства того времени. В отличии от искусства ХV века ему свойственно стремление постигнуть и воплотить общую закономерность явлений жизни.
Это была эра титанов Возрождения, подарившая мировой культуре творчество Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. В истории мировой культуры эти три гения, несмотря на всю их несхожесть, творческую индивидуальность олицетворяют главную ценность итальянского Возрождения – гармонию красоты, мощи и интеллекта. Их жизнь – свидетельство того изменения отношения общества к творческой личности художника, которая характерна для эпохи Возрождения. Мастера искусств стали заметными и ценными фигурами в обществе, они справедливо считались образованнейшими людьми своего времени.
Эта характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрождения, подходит к Леонардо да Винчи (1452 – 1519). Он объединил в себе художественный и научный гений. Леонардо был ученым, изучающим природу не ради искусства, а ради науки. Поэтому до нас дошло так мало законченных произведений Леонардо. Он начинал картины и бросал их, как только проблема казалась ему ясно сформулированной. Многие его наблюдения предвосхищают развитие европейской науки и живописи на целые столетия. Современные научные открытия подогревают интерес к его научно-фантастическим инженерным рисункам.
Его «Мадонна в гроте» - первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса. Это большая картина распространенного в ренессансной живописи формата, который напоминает окно, закругленное наверху.
Новым этапом в искусстве была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария деле Грацие на сюжет «Тайной вечери», который писали многие художники Кватроченто. «Тайная вечеря» - краеугольный камень классического искусства, в ней осуществлена программа Высокого Возрождения. Леонардо работал над этим произведением 16 лет. Громадная фреска, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины, стала примером мудрого понимания законов монументальной живописи, связанной с реальным пространством интерьера. В ней воплотились научные изыскания художника в области физики, оптики, математики, анатомии, необходимые для решения проблем пропорций и перспективы на огромном живописном пространстве. Главное же, гениальное произведение Леонардо обладает огромном психологической силой. Никто из художников, изображающих тайную вечерю до Леонардо, не ставил такой сложной задачи – через реакцию разных людей, индивидуальностей, темпераментов, эмоциональных откликов показать единый смысл этого великого момента. 12 апостолов, 12 разных характеров по-разному проявляют себя в момент душевного потрясения. Через их эмоциональные реакции, выраженные в движении, раскрываются извечные вопросы человека: о любви и ненависти, преданности и предательстве, благородстве и подлости.
Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо «Джоконда». Этот портрет жены купца дель Джокондо приковывал внимание на протяжении столетий, о нем написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, копировали, ему приписывали колдовскую силу. Неуловимое выражение лица Джоконды не поддается точному описанию и воспроизведению. Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства.
Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с композициями на религиозную тему.
Идеи монументального искусства Возрождения нашли яркое выражение в творчестве Рафаэля Санти (1483-1520). Леонардо создал классический стиль, Рафаэль утвердил и популяризовал его. Искусство Рафаэля часто определяют как «золотую середину».
Творчество Рафаэля отличают качества классики – ясность, благородная простота, гармония. Всей своей сутью оно связано с духовной культурой Ренессанса. Он был на 30 лет моложе Леонардо, а умер почти одновременно с ним, успев совершить так много в истории искусств, что трудно представить, что все это мог исполнить один человек. Разносторонний художник, архитектор, монументалист, мастер портрета и многофигурной композиции, талантливый декоратор, он был центральной фигурой художественной жизни Рима. Вершиной его мастерства стала «Сикстинская мадонна», написанная в 1516 г. Для бенедиктинского монастыря в Пьяченце (сейчас картина находится в Дрездене). Для многих она является мерилом самого прекрасного, что способно создать искусство.
Эта алтарная композиция в течение веков воспринимается как формула красоты и гармонии. Трагическим чувством веет от поразительно одухотворенных лиц Мадонны и младенца-Бога, которого она отдает во искупление человеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен как бы сквозь зрителя, он полон скорбного предвидения. В этом образе воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала.
Историческая заслуга искусства Рафаэля в том, что он связал в одно целое два мира – мир христианский и мир языческий. С этого времени новый художественный идеал надолго утвердился в религиозном искусстве Западной Европы.
Скульптура эпохи Возрождения
Светлый гений Рафаэля был далек от психологической углубленности во внутренний мир человека, как у Леонардо, но еще более но чужд трагическому мироощущению Микеланджело. Микеланджело Буонарроти (1475-1564) прожил долгую, трудную и героическую жизнь. Его гений проявился в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре. Он воспринимал мир пластически, во всех областях искусства он прежде всего скульптор. Тело человека кажется ему самым достойным предметом изображения. Но это человек особой, могучей, героической породы. Искусство Микеланджело посвящено прославлению человека-борца, его героической деятельности и страданиям. Его искусству свойственны гигантомания, титаническое начало. Это искусство площадей, общественных сооружений, а не дворцовых залов, искусство для народа, а не для придворных аристократов.
ХV век – время расцвета в Италии монументальной скульптуры. Она выходит из интерьеров на фасады церквей и гражданских зданий, на площади города, становится частью городского ансамбля.
Одна из ранних и самых знаменитых работ Микеланджело – пятиметровая статуя Давида на площади во Флоренции, символизирующая победу юного Давида над великаном Голиафом. Открытие памятника превратилось в народное торжество, потому что флорентийцы видели в Давиде близкого им героя, гражданина и защитника республики.
Скульпторы Возрождения обращались не только к традиционным христианским образам, но и к живым людям, современникам. С этим стремлением увековечить образ реального современника связано развитие жанра скульптурного портрета, надгробного монумента, портретной медали, конной статуи. Эти скульптуры украшали площади городов, изменяя их облик.
Скульптура Ренессанса возвращается к античным традициям пластики. Памятники античной скульптуры становятся объектом изучения, образцом пластического языка. Скульптура раньше живописи отходит от средневековых канонов и встает на новый путь развития. Может быть, это объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых храмах. При сооружении больших соборов создавались мастерские, которые обучали скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку. Мастерские скульпторов были ведущими центрами художественной жизни, играли большую роль в изучении античности и анатомии человеческого тела. Достижения скульптуры Раннего Возрождения оказывали большое влияние на живописцев, которые воспринимали живого человека сквозь призму пластики. Скульпторы Ренессанса добиваются полного значения человеческого тела, они освобождают его из-под массы одежды, в которую прятала фигуры средневековая готика. Путь, который проделала Эллада в три века, в эпоху Возрождения совершен тремя поколениями мастеров.
Архитектура эпохи Возрождения
Ренессансные гуманисты считали красоту законом природы. Им представлялось, что гармоническое начало мироздания наиболее полно способна была выразить именно архитектура. Мир, в котором господствует гармония, идеальная упорядоченность форм, логика пропорциональных отношений, представлялся людям ХV века в облике архитектурного пейзажа. Архитектура была любимым фоном в картинах и фресках, уступив место пейзажу только в конце ХV века.
Архитектура отражает общественного человека и ту среду, в которую он включен. Поэтому ей принадлежало очень важное место в ренессансной системе взглядов на мир.
Жизнь итальянских городов сосредоточивалась вокруг площади, на которой обсуждались дела, где шел обмен словами и вещами, вдоль улиц, на которые выходили мастерские и лавки. Это были города-республики, объединявшие граждан коммуны, которыми управляли самые богатые. Города постоянно враждовали между собой, окружали себя укреплениями. Каждый дворец ощетинивался башнями с бойницами. Во всех коммунах Италии муниципальные здания, где заседали советы, представляли сооружения в римском стиле, с внутренним двориком, превращенные в крепости, способные выдержать осаду.
Чем спокойнее становилась жизнь, тем более утрачивались представления о доме как о крепости, тем более украшения переходили на фасад здания. Элементами декора становились коринфские колонны, круглые арки, карнизы с античным профилем. Постепенно в верхних этажах появились ряды широких окон, они оживляются богатыми украшениями. Нижний этаж по-прежнему служит сильной опорой, но и он украшается: появляются аркады, поддерживаемые колоннами.
Практическая деятельность архитекторов Возрождения создавала новые архитектурные формы, ведь они жили в новую историческую эпоху с новыми общественными условиями и жизненными требованиями. Поиски гармонии архитектурных форм приводили к необходимости создания нового типа жилого здания и идеального храма.
Начало новой эпохи в архитектуре связывают с именем Филиппо Брунеллески (1377-1446). Он был первым архитектором, который осознал необходимость реформы и ясно сформулировал идеи нового художественного мировоззрения. В 1419 году он получил заказ, в котором мог воплотить свои новые архитектурные идеи. Это было светское здание – Воспитательный дом во Флоренции. Его считают первым зданием стиля Ренессанс, оно послужило образцом для всей архитектуры Возрождения. Смелое новаторство Брунеллески проявилось в первой крупной работе – грандиозном куполе собора Санта Мария дель Фьоре (1420-1436). Принципиальная новизна его решения в том, что он предложил соорудить лёгкий пустотелый купол из двух оболочек. Мощный чёткий силуэт купола и теперь царит над городом.
Второй после Брунеллески крупнейшей фигурой в итальянской архитектуре XV века был Леон Батиста Альберти (1404-1472). Разносторонне образованный, блестящий философ-гуманист, увлекающийся музыкой, математикой, правом, экономикой, поэзией, живописью, скульптурой, архитектурой. Ему принадлежит архитектурная энциклопедия Возрождения, названная в подражание Витрувию «10 книг о зодчестве».
Альберти – энциклопедист-теоретик. В отличии от своих предшественников Альберти не руководил строительством, как средневековые мастера, а лишь составлял проекты зданий и наблюдал за ходом работ. Он творил в Ферраре, Флоренции, Римини и других городах Италии. Альберти создал новый тип архитектурного мышления. Он преобразил облик городского дворца – палаццо. Рустованный камень он заменил на гладкие, отшлифованные блоки, массивную арку ворот – на прямоугольные двери, открывающиеся прямо на улицу, стены расчленил пилястрами, полуколоннами, карнизами – облик светского здания очень изменился.
Время Высокого Возрождения в архитектуре в Италии было очень недолгим. Этот стиль ограничен пределами одной римской школы. Немногочисленные здания в чистом стиле Кватроченто выстроены в Риме и его окрестностях в основном по проектам Донато д'Анжело Браманте(1444-1514). Папа Юлий II поручил Браманте разработку собора Св.Петра и создание новой огромной архитектурной композиции Ватикана. Чтобы соединить летнюю папскую резиденцию – виллу Бельведер – с Сикстинской капеллой, папским дворцом и строящимся собором, Браманте спроектировал длинные неширокие здания-коридоры, оставив между ними широкий двор с тремя понижающимися террасами. Принципиальная новизна работы Браманте в Ватикане в том, что он впервые после античности создал единый архитектурный ансамбль.
Заключение
Сравнивая развитие скульптуры и живописи Ренессанса, можно сказать, что они идут параллельно: от изображения фигур на плоскости к передаче движения тела и чувства пространства. Не было расхождения в путях архитектуры, живописи и скульптуры. Зодчий, проектируя здание, уже обдумывал его украшение. Сама система формирования мастеров искусств способствовало этому. Обучение художника могло начаться в литейном или ювелирном цехе, продолжится в скульптурной мастерской и закончится под руководством архитектора. Последовательное обучение разным профессиям было не исключением, а скорее правилом.
Целостный подход к искусству – характерная черта Возрождения. Художественное освоение действительности шло в прочном союзе архитектурных и живописных форм. Именно поэтому искусство Возрождения представляет собой стилевое единство.
Список используемой литературы:
Андреева М., Антонова А., Дмитриева О. Рассказы о трёх искусствах. – Л., 1975
Джорджо Вазари. Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих эпохи Возрождения. – Спб., 1992
Ильина Т. В. История искусств. Западноевропейское искусство. – М., 1993
История искусства зарубежных стран. Средние века. Возрождение. Под ред. Ц. Г. Нессельштраус. – М., 1982
Кузнецов Б. Г. Идеи и образы Возрождения. – М., 1979
Этюды об изобразительном искусстве. – М., 1993