МОСКОВСКИЙ ГУМАНИТАРНЫЙ УНИВЕРСИТЕТ
Факультет рекламы
Кафедра дизайна и режиссуры в рекламе
КУРСОВАЯ РАБОТА
ТВОРЧЕСТВО ПАБЛО ПИКАССО
Выполнила: студентка группы Р-203
Коева Яна Александровна
______________/подпись/
Руководитель: кандидат исторических наук
Алексеева Ирина Алексеевна
______________/подпись/
Допустить к защите:
__________________/дата, подпись, расшифровка подписи/
Москва 2009
Содержание:
Введение
Глава 1 Начало творческого пути
§ 1. Годы обучения
§ 2. “Голубой период”
§ 3. Розовый период
Глава 2. Искажение в живописи. Кубизм
Глава 3. Классический период (Ольга Хохлова & PICASSO)
Глава 4. Сюрреализм (1925 - 1936)
Глава 5. Источники вдохновения
§ 1. Пикассо – скульптор
§ 2. Искусство Африки в творчестве Пикассо
§ 3. «Авиньонские девицы»
Глава 6. Осмысление ужасов войны
§ 1. Герника
§ 2. Послевоенный период (1945 – 1960-e)
§ 3. Последние годы (конец 60-х - 1973)
Заключение
Список использованной литературы
Приложение 1
Приложение 2
Введение
“Художник - это человек, который пишет то, что можно продать. А хороший художник - это человек, который продает то, что пишет.”
Пабло Пикассо
Пикассо - изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Он создал более чем 20 тысяч работ. Многие исследователи стремятся объяснить стилистическое непостоянство художника его генами, приписывая его матери еврейское происхождение; однако семья Пикассо была самой что ни есть испанской и даже андалузской и принадлежала к среде провинциальной мелкой буржуазии.
Актуальность данной тематики обусловлена тем, что история не знала художника, творчество которого вызывало бы столько споров. Официальные биографы называют Пабло Пикассо самым знаменитым художником ХХ века. Но сказать так, значит не сказать ничего. Это титан, арт-карьера которого длилась 80 лет! Кроме картин, из-под его рук вышли тысячи скульптур, графических работ, керамических изделий, литографий, поэтических произведений и поделок из самых разных отбросов цивилизации. Он трансформировал искусство так, как никто другой в этом веке. Его искусство приобрело всеобщую значимость как выражение триумфов и трагедий, жизненной силы и беспокойных исканий человека ХХ века. Оно питалось многими источниками прошлого, включая работы его великих испанских предшественников.
Скульптурные произведения Пикассо свидетельствуют о мощи его незаурядной фантазии, а как график (рисовальщик, офортист, литограф, линогравёр и дизайнер в дягилевских "Русских сезонах") он считается одним из великих художников 20 века. Работы Пикассо эмоциональны, многие из них, несмотря на пессимистическую тональность проникнуты страстной верой в жизнь. Мало кто из его современников обладал такой способностью представлять с помощью изобразительных средств жестокость и глупость в столь обнажённом виде или восторг всепобеждающей любви.
Его гигантский труд не только обнаруживает восприимчивость создателя к проблемам и творческим, и человеческим, но и рассказывает многое о Пикассо как о личности. Это полный дневник его жизни, его настроений, его страстей и дилемм. От начала и до конца этот человек, наделенный неистощимой творческой энергией, воплощал многие парадоксы и противоречия, как в своей жизни, так и в своем искусстве, но никогда он не изменял ни себе, ни своему вдохновению. Одним из отличительных качеств этого революционного художника было то, что он постоянно возвращался к традиционному, снова бросая вызов работам великих художников прошлого. Другой парадокс: хотя он боготворил жизнь и не уставал восхищаться человеческим телом, его фигуры характеризуются деформациями, сделанными с такой силой экспрессии, с какой не сравнится ничего в западном искусстве. Для Пикассо жизнь и искусство едины.
Цель работы – подчеркнуть огромный вклад Пикассо в культуру и искусство, имеющий всемирное значение, используя многочисленные сведенья, собранные из разных источников. Многие исследователи обращались к творчеству Пабло Пикассо, чем и воспользовался автор данной работы, использовав литературу отечественных и зарубежных авторов.
§1. Годы обучения
Пабло Руис Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании.
Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства он получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса Бласко, и вскоре владел им в совершенстве. В возрасте 7 лет отец поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью. В 8 лет он рисует свою первую серьезную картину маслом, "Пикадор" (см. приложение 1), с которой он не расставался в течение всей жизни.
Пикассо учился в школе искусств в Ла-Корунье (1894—1895). В 1895 году он поступает в школу изящных искусств "Ла Лонха" в Барселоне, с блеском выдержал экзамен высшей ступени обучения. Сначала он подписывается своим именем по отцу Ruiz Blasco, но затем выбирает фамилию матери Picasso. В сентябре 1897 он уезжает в Мадрид, где в октябре проходит конкурс в королевскую академию Сан-Фернандо, считавшуюся на тот момент самой передовой школой искусств во всей Испании.
Однако занятия в школе продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников - Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко.
В полотнах, написанных в возрасте 15—16 лет, продемонстрировал совершенное владение приемами академической живописи (коллекция ранних работ Пикассо находится в Барселоне, в музее Пикассо№).
______________
№ Музей Пикассо - один из самых популярных и часто посещаемых музеев Барселоны. Расположен он в самом центре старого города, в районе Барри Готик. Основан был в 1963 году. Музей Пикассо в находится в пяти средневековых особняках на улице Монкада. Более 3500 работ Пикассо составляют постоянную коллекцию музея.
Самые известные из них: "Первое причастие" (1896) - большая картина, изображающая сестру Пикассо Лолу, "Автопортрет" (1896), "Портрет матери" (1896) (см. приложение). Уже будучи взрослым и посетив как-то выставку детских рисунков, Пикассо сказал: "В их возрасте я рисовал как Рафаэль, но мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они".
Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж - признанную тогда европейскую столицу искусств. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других. Также он увлекался искусством финикийцев и египтян, готической скульптурой, японской гравюрой. Пабло интересовало абсолютно все. Тогда же, в первые годы жизни в Париже он познакомился с коллекционером и торговцем живописью Амбруазом Волларом, поэтами Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером и многими другими. Он вновь посещал Париж в 1901 и в 1902 году и уже окончательно перебрался туда к 1904 году.
Пикассо возвращается в Барселону в июне 1898, там он входит в общество «Els Quatre Gats» — богемное кафе с круглыми столами на художественные темы. Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе "Четыре кота" (в этом кафе пройдет его первая выставка), заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. Эта провинциальная и романтическая интеллигенция была глубоко пронизана социальными интересами и отличалась настоящей необузданностью анархических кругов. Пикассо, казалось, сильно переживал нищету и духовное убожество проституток и пьяниц, завсегдатаев кабаре и домов свиданий Баррио Чино; в них Пикассо нашел основные черты своих персонажей и темы будущего "голубого" периода (1901-1904).
§ 2. “Голубой период”
Начало "голубого периода " принято связывать со второй поездкой художника в Париж. Действительно, он возвращается к рождеству 1901 года в Барселону с завершенными и начатыми полотнами, написанными в совершенно иной манере, чем та, в которой он работал до сих пор. Печаль - вот что рождает искусство, убеждает он теперь своих друзей. В его картинах возникает голубой мир безмолвного одиночества, отверженных обществом людей – больных, нищих, калек, стариков.
Пикассо уже в эти годы был склонен к парадоксам и неожиданностям. 1900-1901 года обычно называют "лотреновскими" и "стейленовскими" в творчестве художника, указывая тем самым на прямую связь с искусством его парижских современников. Но после поездки в Париж он окончательно порывает со своими увлечениями. "Голубой период" по мироощущению, проблематике, пластике связан уже с испанской художественной традицией.
Ситуацию помогают понять 2 полотна – «Любительница абсента» и «Свидание (Две сестры)» (см. приложение 1). Они стоят на самом пороге «голубого периода», предваряя многие его тематические аспекты и вместе с тем завершая целую полосу исканий Пикассо, его движения к собственной истине. Серо-голубые и сине-зеленые глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в них. Пикассо называл голубой "цветом всех цветов". Частые сюжеты этих картин - изможденные матери с детьми, бродяги, нищие, слепые.
Можно с уверенностью сказать, что в 15 лет Пикассо уже прекрасно владел художественным мастерством в академическом смысле этого слова. А затем его захватывает дух экспериментаторства в поисках своей дороги в сложном переплете направлений и течений европейского искусства рубежа ХХ столетия. В этих исканиях проявилась одна из замечательных особенностей таланта Пикассо – способность к ассимиляции№, усвоению различных тенденций и направлений в искусстве. В "Свидании" и "Любительнице абсента" проступают еще первоисточники (парижская школа искусства). Но молодой Пикассо уже начинает говорить своим голосом. То, что тревожило и мучило его, теперь требовало иных изобразительных решений. Былые привязанности были исчерпаны.
______________
№АССИМИЛЯ́ЦИЯ - в языкознании (лат. assimilatio - слияние, усвоение) - фонетич. процесс, состоящий в уподоблении звуков друг другу в пределах одного слова или словосочетания.
Обращение художника к образам нищеты, страдания, трагичного отчаяния часто связывают с условиями его жизни во французской столице и трагической смертью друга Касахемоса, поэта и художника, покончившего жизнь самоубийством. Пикассо в эти годы крайне бедствовал. И все же истоки, питавшие "голубой период", шире и глубже.
Они в социальном климате эпохи, в атмосфере общественной жизни Барселоны, в мировоззрении самого Пикассо.
Барселона тех лет была одним из центров революционно-анархических идей, отражавших остроту социальных контрастов и бедности тогдашней Испании. Это отложило отпечаток и на особенность жизни города с его клубными дискуссиями, собраниями, митингами. В полубогемной среде таверны "4 кота", где особенно ценились свобода и независимость, а сочувствие "к униженным и оскорбленным" возводилось в нравственный принцип, и формировались жизненные позиции молодого Пикассо.
С бесстрашием подлинного большого художника, 20-летний Пикассо обращается ко "дну" жизни. Он посещает больницы, психиатрические лечебницы, приюты. Здесь он находит героев своих картин – нищих, калек, обездоленных, поруганных и выброшенных обществом людей. Отнюдь не только сентиментальное сострадание к ним хотел художник выразить своими полотнами. Голубой мир безмолвия, в который он погружает своих действующих лиц, - это не только символ страдания и боли, это и мир гордого одиночества, нравственной чистоты.
"Две сестры" явились одним из первых произведений этого периода. В "Сестрах" и вообще в работах "голубого периода" автор ориентируется на некоторые традиции средневекового искусства. Его привлекает стилистика готики, особенно готической пластики с ее одухотворенной выразительностью форм. Пикассо в те годы открывает для себя Эль Греко и Моралеси. В их работах он находит созвучную его тогдашним настроениям и исканиям психологическую выразительность, символичность цвета, острую экспрессию форм, возвышенную одухотворенность образов.
«Две сестры» – характерная во всех отношениях работа «голубого периода». Пикассо строит картину как барельеф, стремясь к равновесию, стильности силуэта фигур двух женщин на голубом абстрактном фоне. В покорно сплоченных друг к другу, почти обнимающихся фигурах – печаль страдания, молчаливое согласие, тихая ласка и всепрощение. Если допустимы здесь какие-то музыкальные аналогии, то возникает мысль, конечно, о реквиеме. Мелкая повседневность, тревоги и невзгоды мирение отступают здесь перед величием вечного, всеобщего. Недаром встреча сестер ассоциируется с Евангельской притчей о Марии и Елизавете (Встреча Марии и Елизаветы). В много плановом содержании “Сестер” вновь звучит и тема общения людей, дружбы двух существ как залога защиты от невзгод жизни, враждебности мира. Она будет все больше места в его творчестве.
Другая типичная картина Пикассо “голубого периода” – "Нищий старик с мальчиком" (см.приложение 1). Они примыкают к серии работ, где героями выступают нищие, слепцы, калеки. В них художник словно бросает вызов миру благополучных и равнодушных толстосумов и мещан. В своих героях Пикассо хотел видеть носителей неких скрытых от обычных людей истин, доступных только внутреннему взору, внутренней жизни человека. Недаром большинство персонажей картин «голубого периода» кажутся незрячими, не имею своего лица. Они живут своим внутренним миром, их тонкие «готические» пальцы познают не внешние формы предметов, а их внутренний тайный смысл.
§ 3. Розовый период
Весной 1904 г. Пикассо окончательно поселяется в Париже на Монмартре. С переездом в Париж завершается «голубой период». В монохромную голубизну полотен Пикассо вторгаются разные тени, становясь господствующими. Этот новый период получает название «розовый». Но смысл новых исканий художника был, разумеется, отнюдь не в изменении его текстуры. Иногда его называют «цирковым», и это точнее передает его содержание. На полотнах совершенно новый мир – мир комедиантов, цирковых актеров. Причины нового поворота Пикассо в художественных концепциях далеко не однозначны. Они – и в особенностях его неугомонного таланта, и во влияниях среды. Барселона больше не давала художественных импульсов, была исчерпана тема "дна" жизни. Его влекли теперь нравственные ценности другого порядка. Следует отметить, что Пикассо уже в те годы прекрасно знал французскую, испанскую и даже интересовался русской литературой (Тургенев, Горький).
Парижские друзья знакомят его с литературными клубами Парижа, вводят в богемный быт художников и поэтов Монмартра с его романтикой творчества, атмосферой жизненной неустроенности, но постоянной готовности к взаимопомощи и поддержке. Сальмону и Аполлинеру он в первую очередь обязан, очевидно, и увлечением цирком. В начале 1905 года вместе с ним он становится завсегдатаем известного парижского цирка Медрано. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар№. Здесь, в совершенной бедности на грани нищеты и неописуемом твоорческом беспорядке Пикассо постоянно писал свою Фернанду и искал свой путь.
Однако напрасно искать на его полотнах цирк, цирковое зрелище. Его интересует сам актер, творческая, созидающая личность. Причем классические персонажи бродячего цирка – личность, клоуны, арлекины. Они показаны вне игры, изредка во время репетиции, чаще – в будничной жизни, семье. Они обязательно одеты в костюмы своих персонажей. Это для них как бы знак отличия от общей массы. Странствующая группа актеров для Пикассо – особый микромир вольных людей, где существуют искренние привязанности, где нет места корысти, обману. Здесь сообща делят удачу и горечь поражений. К этому миру причислял себе и сам художник.
_____________________
№Бато-Лавуар - это странное полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами было домом очень разношерстной компании: художники, поэты, торговцы, дворники...
Пикассо остро и даже болезненно ощущал противоречия жизни. Он понимал, насколько хрупок и иллюзорен созданный им мир комедиантов, затерянный в огромном, неустроенном пыльном мире. Тревога художника отражена затаённой печалью, настороженностью на лицах его героев. В больших программных композициях «розового периода» – «Странствующие комедианты», «Комедианты на привале» – особенно, пожалуй, явственно проявляется настроение какой-то неуверенности, тревожного ожидания.
Возможность счастья и гармонии Пикассо допускает только в ситуации семьи. В серии работ, которые только можно объединить под общим названием "Семейство комедиантов" (см. приложение 1), он разрабатывает свой вариант святого семейства. Здесь его персонажи, как бы ограждены от жестокой действительность теплом любви и нежности к ребенку.
Есть и еще одна тема проходящая через ранние годы творчества Пикассо и выражающая его веру в доброту человеческих отношений. В «розовый период» она становится доминирующей. Это тема дружбы, дружбы двух существ, где сильный, опытный поддерживает, оберегает слабого, беззащитного. Ими могут быть пожилой, повидавший жизнь клоун и робкий мальчик, могучий атлет и хрупкая девочка-акробатка, человек и животное, как, например «Мальчик с лошадью».
Значительное полотно «розового периода» – «Девочки на шаре» (см. приложение 1). Огромная игла композиционного мышления Пикассо проявляется здесь с полным блеском. В основу композиционной и ритмической структуры картины положен пластический мотив сопоставления контраста и в то же время – равновесия единства. Мощный атлет и хрупкая девочка, массив куба и ускользающая зыбкость шара, монолит мужской фигуры на кубе и колышущаяся, как стебелек на ветру, тоненькая фигура девочки на шаре. Уберите один из компонентов картины – произойдет катастрофа. Не станет атлета – и девочка тотчас потеряет равновесие, а без ее зыбкой непрочности он рухнет, повалится под собственной тяжестью.
В «Девочке на шаре» Пикассо особо ассоциативен и метаморфичен. В образах девочки и атлета, их контрастах и связях, проступают ассоциативные образы единства и противоположности различных начал в природе, жизни, человеке. Возникает и другой, более глубокий ряд ассоциаций, уводящий в средневековую символику. В атлете угадываются аллегория доблести, в девочке на шаре – фортуны. В картине заметно уже новое направление художественной мысли Пикассо – интерес к классической ясности, уравновешенности, внутренней гармонии. Написанная на рубеже 1905 года «Девочка на шаре» стоит у истоков так называемого первого классического периода в творчестве художника. Движение художника к образам ясным, гармонически цельным, деятельным питалось его верой в доброе и разумное начало в человеке. Отсюда в работах Пикассо 1906 года образы физически совершенных девушек и юношей. Сильные юноши стремительно идут навстречу зрителю, готовые к действию. Это был мир мечты художника, идеальный мир свободных и гордых людей.
Начав создавать его, Пикассо вдруг останавливается и все бросает. Словно у него не хватает сил, слабеет вера, наступает разочарование.
В 1907 году появилась знаменитые "Авиньонские девицы". Над ними художник работал больше года - долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики - шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу. "Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином", - говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.
2. Искажение в живописи. Кубизм
В попытке добиться своего рода сверхреальности, к которой он стремился в своем искусстве, Пикассо обращался к множеству приемов. Иногда, например, он изображал предметы с такой детальной точностью, что фотографии в сравнении с ними кажутся нерезкими и приблизительными. В других случаях он подчеркивал контрасты света и тени, добиваясь захватывающего драматического эффекта. Но обычно ему удавалось достичь "более реального, чем сама реальность", путем эксперессивного искажения: он изменял естественный вид предметов, главным образом человеческого тела, чтобы оторвать зрителя от традиционного способа восприятия и подтолкнуть к новому, более высокому осознанию видимого мира. Ни в одной из тем его произведений это не проявляется больше, чем в трантове самой традиционной темы – обнаженного женского тела.
Пикассо обращался к деформации уже в своих ранних работах, в набросках, где часто встречаются карикатурные преувеличения, которые он выполнял ради собственного удовольствия
В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов: "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины" (1908) (см. приложение 1), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами - охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910) (см. приложение 1), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909) (см. приложение 1), "Портрет Канвейлера" (1910). На этапе "синтетического" кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами... Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом" (1911-1912), “Бутылка перно (столик в кафе)” (см. приложение 1), (1912) "Скрипка" (1913).
Несмотря на неприятие кубизма большинством, картины Пикассо очень хорошо покупаются. Наконец-то кончается нищенское существование и Пабло с Фернандой№ в сентябре 1909 года перебрались в просторную и светлую мастерскую на Клиши, 11. Конечно, Пикассо не забыл перевезти и свой обязательный беспорядок: причудливые бутыли и вазы, гитары, старый ковер, картины любимый художников - Матисса, Сезанна, Руссо, коллекция африканских масок...
Он всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Он покупал вещи, которые ему нравились, не заботясь о том, как они смотрятся вместе.
Осенью 1911 года Пикассо расстался с Фернандой. Его новой музой стала Ева (Марсель Умбер), с которой он жил и создавал свои кубические работы на Монпарнасе и в Авиньоне. Одна из работ, посвященных Еве - "Обнажённая, Я люблю Еву" (1912) (см. приложение 1). Затем наступили печальные годы: война, мобилизация и расставание со многими друзями, неожиданная болезнь и трагическая смерть Евы.
3. Классический период (Ольга Хохлова & PICASSO).
К началу 1917 года, начинается переписка Пикассо с Сергеем Дягилевым – директором труппы русского балета, который, готовясь к гастролям в Европе, заказывает у него декорации и эскизы к костюмам для одноактного балета “Парад”. Пикассо согласен и сразу же начинает увлеченно работать, не подозревая о том, каким образом гастроли русского балета повлияют на его дальнейшую жизнь.
В эти годы Пикассо - художник, уже известный своим модернистскими тенденциями в живописи. И именно в это время, после знаменитых розового и голубого периодов, пуантилизма и кубизма, начинается новый, малоизвестный, этап в его творчестве, датируемый между 1916 и 1925 г.г., когда Пикассо неожиданно возвращается к классическому портрету. Почему в эти годы? Может быть потому, что именно в этот период рядом с ним жила и вдохновляла его очаровательная русская женщина – балерина труппы Сергея Дягилева – Ольга Хохлова.
___________________
№Фернанда Оливье – первая натурщица и муза художника.
Пикассо познакомился с ней в 1917 г. во время гастролей русского балета в Европе. Он посещает все спектакли, с удовольствием общается с Дягилевым и молодым композитором Стравинским, пишет их портреты, Когда он делится с друзьями о своих впечатлениях, он рассказывает так же и об обаятельных русских танцовщицах, но думает об одной. Это Ольга Хохлова – одна из самых красивых балерин труппы. Она - дочь генерала русской армии, получила хорошее образование, говорит по-французски, умна, честолюбива. Она прекрасно понимает, что не так-то просто попасть в знаменитую труппу Дягилева, и еще сложнее удержаться среди молодых и красивых танцовщиц. Но ей это удалось. Именно она и привлекла внимание Пикассо. После темпераментной и хаотичной испанки Фернанды Оливье, с которой он познал беспорядочную жизнь, кутежи и опиум, Ольга притягивает его своим северным спокойствием, традиционностью, элегантностью. Но самое главное, что она привлекает его не только, как мужчину, но и как художника, который не просто видит, но чувствует ее красоту, для него эта красота чиста, совершенна, чуть наивна.
Она заинтригована – и это первый признак того, что женщина готова влюбиться, она так же еще не догадывается и о том, что именно она - классическая и традиционная славянская женщина - станет вдохновительницей нового этапа в его творчестве – неоклассицизма.
Единственный язык, на котором они могут общаться – это французский, который стал для них языком любви.
Влюбленный Пикассо сопровождает труппу театра по Европе: Рим, Неаполь, Флоренция. Любовь к Ольге занимает основное место в его жизни этого периода, она вдохновляет его. Он увлеченно работает над декорациями, посещает выставки, неожиданно для себя открывает живопись великих итальянцев.
Пабло пишет портрет Ольги в испанской мантилье своей матери. Любовь к ней вдохновляет его, ее славянская красота традиционна, реальна, и неудивительно, что и портрет создан в реалистической манере. Этот шедевр открывает неповторимую галерею женских образов в творчестве Пикассо, среди которых особое место занимает Ольга. В начале 1918 года она покидает труппу Дягилева, и в июле того же восемнадцатого года они женятся. Свои чувства он выражает языком красок, создав несколько картин на эту тему: “Ольга читает”(1920), “Ольга читает, сидя в кресле”(1920),“Ольга, читающая в кресле” 1920, “Портрет Ольги”1921, “Портрет Ольги”1923 (см. приложение 1), “Ольга в меховом воротнике” 1923. В этот период классический портрет доминирует в творчестве Пикассо. Он не видит иного способа отобразить красоту женщины, которую любит.
В 1920 году Ольга готовится стать матерью. Они оба рады этому, а в творчество Пабло появляется новая тема – материнство.
В феврале 1921 года рождается сын – Поль. Пикассо - горд, как отец и счастлив как художник. Ольга подарила ему сына и, опять же, новую тему в творчестве. Он открывает для себя незнакомый ранее ему мир детства, с игрушками, деревянными лошадками и серыми осликами, карнавальными костюмами Пьеро и Арлекина. Его любовь к сыну, как и к жене, выражается посредством живописи, он создает очаровательную галерею детских портретов. Поражает взгляд ребенка: наивный, немного грустный, иногда удивленный.
Материнство сделало Ольгу более требовательной к семейной жизни, она не представляет свою жизнь без светского общества, незаметно она начинает ограничивать жизнь Пикассо светскими приемами, а его творчество светскими сюжетами. По словам Марка Шагала, они жили на слишком “разных планетах”.
За все еще внешним благополучием скрывается неуловимое мужское сопротивление устоявшимся правилам, поиск художником новых тем, меняется его стиль, исчезают классические портреты и любимые ею танцовщицы, что настораживает и обижает ее. Она хочет замаскировать появившиеся трещины, но знакомство Пикассо в 1927 году с семнадцатилетней Марией-Терезой Вальтер только усугубило напряжение в их отношениях.
Ольга отказывается от развода, признаваясь, что по-прежнему любит его, она надеется, что совместная жизнь может наладиться. В течение нескольких лет она чувствует раздвоение Пикассо: как муж и отец он обеспечивает семью, они живут вместе, вместе проводят каникулы, он любит ребенка, они путешествуют, но как художник он ищет новые темы. Появляется новый стиль в его творчестве: на смену классическому портрету приходит непонятные ей сюрреализм и экспрессионизм, появляются новые сюжеты и, что самое грустное – новая модель – Мария-Тереза. Она интуитивно догадывается об их отношениях, но не хочет в это верить, в конце концов, новая модель не означает новую любовь.
Беременность Марии-Терезы, рождение их общей с Пикассо дочери, а затем и сына, убедили ее в обратном. Ольга в отчаянии, она ищет успокоения сначала в любимой русской литературе - Толстой, Чехов, затем – в религии. Она чувствует безвыходность и трагедию одиночества. Она не может смириться с безразличием Пикассо и не может простить ему ее последние портреты, созданные в 1935 году.
В 1935 году Ольга покидает Пикассо, начинается волокита бракоразводного процесса. Она уезжает на юг Франции, хочет спрятаться, поменять обстановку, никого не видеть, но не перестает думать о нем.
Она чувствует, что продолжает любить Пикассо, издалека следит за его творчеством, удивляясь с какой легкостью он меняет подруг: Мария -Тереза Вальтер, Дора Маар, Франсуаза Жило...
Длительный бракоразводный процесс окончился в 1955 году – в день ее смерти... Она умерла Ольгой Пикассо, официально оставаясь женой художника, как будто давая ему понять, что продолжала любить его все эти годы.
"Красота будет конвульсивной, или ее не будет" - сказал Андре Бретон, основоположник сюрреализма, течения в искусстве, ставившего своей задачей постижение истинных глубин художественного творчества посредством проникновения в мир снов и бессознательного.
В 1925 году Пикассо написал картину "Танец" (см. приложение 1). Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь.
Работы этого периода: "Купальщица, открывающая кабинку" (1928), "Фигуры на пляже" (1931), "Женщина с цветком" (1932) и другие.
В холодный январский день 1927 года Пикассо встретил семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер. Он приобрел для нее замок Буажелу и там она стала его единственной моделью и героиней нескольких его известных работ, например "Зеркало" (1932, частное собрание) (см. приложение 1), "Девушка перед зеркалом", (1932, Музей современного искусства, Нью-Йорк); с нее также сделана скульптура "Женщина с вазой" (теперь эта скульптура стоит на могиле художника). В 1935 году Мария-Тереза родила дочь Майю, но к 1936 году Пикассо расстался с ней.
В 1930-1934 годах Пикассо увлекается скульптурой и создает ряд скульптурных работ в духе сюрреализма: "Лежащая женщина" (1932), "Мужчина с букетом" (1934), а также с помощью своего испанского друга-скульптора Хулио Гонсалеса сооружает различные металлические абстрактные конструкции. В те же 30-е гг. он создает ряд гравюр-иллюстраций к "Метаморфозам" Овидия (1930) и произведениям Аристофана (1934), свидетельствующих о том, что классика всегда была для него сильным источником вдохновения.
5. Источники вдохновения.
§1. Пикассо – скульптор.
Существует общая тенденция оценивать искусство Пикассо почти исключительно в свете его живописи, придавая его работе над скульптурой лишь второстепенное значение и рассматривая ее чуть ли не как хобби художника. Однако же по его скульптурным произведениям можно в полной мере оценить творческую силу этого трудолюбивого и вдохновенного мастера.
Можно было бы предположить, что живописцы-кубисты, как Лоранс и Брак, создадут выдающиеся скульптурные произведения. Но ни один из них даже не приблизился к Пикассо ни по качеству, ни по количеству своих работ. Пикассо был одним из величайших живописцев нашей эпохи, но он мало заботился о чисто живописной стороне своих произведений. Именно в этом заключалось его основное расхождение с его другом Матиссом. Полотна Пикассо порой кажутся руководством по живописи, нежели работами, созданными с любовным прилежанием. Результаты, которых он добивался, возможно, могли бы быть достигнуты более прямо – языком скульптуры. Пикассо был далек от академической ортодоксальности: заменял совершенно чуждый ему каррарский мрамор различными бросовыми материалами – жестью, камнями, проволокой, деревянными планками, лоскутьями, которые он покрывал краской, как ему позволяла фантазия. Пикассо обладал необычным даром преобразования любых отходов в шедевры.
В период «синтетического кубизма» Пикассо поразил мир обилием своих изобретений, хотя многие из них мало известны, так как сделаны были из хрупких, недолговечных материалов.
Выставка в Гран-Палэ в Париже в 1979 г. так называемого «завещания Пикассо» (работы, переданные наследниками Пикассо государству Франции в уплату налога на наследство) дала возможность увидеть множество произведений, выполненных из таких материалов, как картон, жесть, дерево, бумага. Некоторые из этих работ были малы, и, вероятно, хранились художником в упаковочных ящиках с момента завершения чуда их творения. Музыкальные темы кубических натюрмортов, написанных маслом, воскресают с новой силой и интенсивностью, будучи выражены в этих бросовых материалах.
«Голова быка» отмечает начало весьма успешного и плодотворного периода в живописном и пластическом творчестве Пикассо, когда его оптимизм, казалось, не имел границ. Вступление его во Французскую коммунистическую партию вдохновило его на создание голубей мира, а его дочь, родившаяся в 1949 году, носит имя Палома, что по-испански означает голубка.
Пикассо сотворил целый мир бестиарий из фигур домашних животных и сов – серьезных и комичных. Среди этих фигур подымает свои рога «Коза» из пальмовых листьев и ивовых прутьев. Это более натуралистическое и менее интеллектулизированное искусство отражало всеобщую тенденцию послевоенных лет, но оно вскоре было поглощено неодолимой новой волной захлестнувшего мир абстракционного искусства.
Общий обзор творчества Пабло Пикассо в области скульптуры приводит к выводу, что оно было таким же поразительным и столь же насыщенным открытиями, как и его живопись. В последние годы жизни он почти не работал в скульптуре, требующей значительно больше физических усилий, чем рисунок или гравюра, на которых он в основном сосредоточил свое внимание.
Пикассо ни когда не вызывал скуку, так как сам никогда не скучал. В его скульптуре всегда ощущаешь свободу и импровизацию, она далека от академической торжественности, так часто присущей этому виду искусства. Вот почему Пикассо поражает нас чудом воскрешения отслуживших вещей, перевоплощением отжившего, оживлением будничности.
Несмотря на неоднократное упоминание влияния негритянской культуры, в произведениях Пикассо превалирует дух классики, атмосфера Средиземноморья, что особенно ощутимо в его женских статуях, которые он, для того чтобы их выявить наилучшим образом, лепит, перекручивает.
§2. Искусство Африки в творчестве Пикассо.
В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн№. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн (см. приложение 1), в итоге Пикассо сказал ей в ярости: "Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас". и оставил работу над портретом. Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре. Пикассо требовались подтверждения его пути в общем развитии мирового искусства и новые впечатления для обретения новой творческой энергии и открытие наукой того времени целого пласта африканской культуры послужило толчком и для творчества художника. Особенно он интересовался африканской скульптурой и масками, он считал их наделенными магической силой и нашел в них чувственную простоту форм.
__________________
№Гертруда Стайн - американская писательница.
Скорее всего именно эти "африканские влияния" и определили окончательный вариант портрета.
Когда в мае 1907 Пикассо случайно зашел в Этнографический музей в Париже (ныне Музей Человека) в старом дворце Трокадеро и впервые увидел маски народов Африки, Океании, Карибского бассейна и Америки, на него все это произвело огромное впечатление. Если взять это событие за отправную точку, то можно выдвинуть несколько гипотез, которые способны пролить свет на различные стадии, взлеты и пути развития творчества Пикассо, на то скрытое влияние, которое сказалось на его многочисленных и самых различных формах работ как до, так и после его «африканских» периодов.
Все элементы космогонии африканского искусства, все темы, красной нитью проходящие сквозь творчество Пикассо объясняются магическими атрибутами негритянской культуры.
Во-первых, важность деталей, так как именно за простыми вещами и жестами, за банальностью и тривиальностью повседневной жизни каждого существа прячется или скрывается суть Человека и Природы. В африканской традиционной культуре высшее значение облачено в скромные одежды.
Во-вторых, женщины, символизирующие плодородие и источник жизни, которые в определенное время могут быть воплощением порчи и зла.
Дети тоже играют не последнюю роль в традиционных африканских верованиях, символизируя свет истины; не только семья, но и все члены общины должны принимать участие в их воспитании, что бы получить тот сложный «классический шедевр», которым должен стать каждый ребенок на благо всего общества.
И, наконец, животные, которые в верованиях африканцев олицетворяют добро или зло, в зависимости от вида. Они очень часто появляются в работах Пикассо.
Сила африканской концепции искусства, которую столь блистательно воспринял Пикассо, заключается в том, что оно существует в связи с повседневным отношением к жизни, использующим символы для защиты от дурного глаза, чуждых, злых сил. Сохраняя и укрепляя свою культурную самобытность испанца, Пикассо вместе с тем «рационально» ассимилировал африканское искусство. Так что, когда мы ищем его в Африке, то находим в Испании. Творчество Пикассо, рисовавшего все, говорит нам о том, что специфическое и всеобщее, человеческая разобщенность и людская солидарность – это всего лишь два аспекта простой реальности, которая находит свой синтез только в искусстве.
§ 3. «Авиньонские девицы»
Вернувшись осенью 1906 года в Париж после проведенного лета в испанской деревушке Госоль, Пикассо начинает писать «Авиньонских девиц» (см. приложение). В начале 1907 года картина завершена.
Перед ними другой новый Пикассо. Он словно пускается к первозданным, еще не преодолевшим хаоса, примитивным основам бытия, где добро не отделено от зла, уродство от красоты. Вряд ли знал тогда сам Пикассо, куда он шел; его страсть экспериментатора, стремление выразить в пластических формах эпоху, свое время.
И как бы ни пытались отделить «настоящего» Пикассо от «ненастоящего» времен «голубого» и «розового» периодов, несомненно, что именно тогда сформировались основные нравственные принципы его искусства, моральные критерии, гуманистические идеалы, глобальные темы творчества. Если бы даже Пикассо ничего не создал после 1907 г., он оставался бы великим художником ХХ столетия. Разрыв с традиционными канонами, инициатором которого был Пабло Пикассо выступил в 1907 г., когда под его решительной кистью возникли четкие фигуры «Авиньонских девиц», знаменовал собой рождение нового порядка, и последствия этого переворота отразились на современной действительности. С Пикассо начинается развитие нового восприятия, новых взглядов и оценок, иного, обновленного видения мира и нашей собственной истории.
«Смерть хорошему вкусу!» – провозгласил Пикассо, спеша осуществить в «Авиньонских девиц» дерзкий замысел, подобно которому, пожалуй, никогда не знала история искусства. По мере создания картины он обнаружил, что они становятся отражением той стороны жизни, которая веками осуждалась на немоту, ибо были далеки от утонченности и роскоши, от нарядности и внешнего блеска.
Такое категорическое отрицание хорошего вкуса было вскоре подхвачено футуристами, экспрессионистами и прочими. Но это было сделано прежде всего Пикассо. И не в пространных манифестах и программах, а в раскованной композиции «Авиньонских девиц», в картине, само существование которой более дерзко, нежели все словесные проклятия авангардистов всего столетия.
«Авиньонские девицы» - обобщение неустанных поисков, которые прослеживаются в экспериментах Пикассо с человеческой фигурой на протяжении всего 1906 г.; они знаменуют собой отрицание прошлого и предвосхищают новую эпоху – эта группа изумительных женщин, вглядывающихся в новые горизонты.
«Авиньонские девицы» свидетельствовали о том, что наступил вешний день переоценки прежних ценностей. Каждое лицо будет носить с этого времени печать сходства с персонажами этой картины. А также с лицом их творца, поскольку он без колебаний избрал для экспериментов свое собственное лицо, разложил его на части и, сильно встряхнув и перемешав, вновь сложил, что оказывает влияние на возникновение этих пяти патетических фигур на картине.
Многих удивляло в «Автопортрете художника с палитрой» близкое сходство его с двумя центральными фигурами, взгляд которых предаётся остальным участникам композиции "Авиньонских девиц". То же самое выражение, одни и те же глаза, сходство лиц, аналогичные цветовые тона. Трудно избежать сравнения. Если целью Пикассо было разрушение старого образа, то художник искал прежде всего собственное лицо, чтобы написать картину, воспринятую вначале как тягчайшее оскорбление, а в последствии названную предвозвестницей новой эры в истории человечества. Пикассо не колеблясь избрал свое лицо, с тем чтобы вызвать нужную ему реакцию. Проводя этот великий эксперимент, вряд ли можно было найти что-либо более знакомое и близкое, чем собственное невозмутимое лицо, отраженное в зеркале. Таким образом, Пикассо становится частью истории благодаря своему постоянному отрицанию прошлого, а также той огромной бреши, которую создали "Авиньонские девицы" и продолжают открывать в очертаниях будущего. Пикассо бросил безжалостный взгляд на свое прошлое, на свое собственное лицо, равно как он быстро свел счеты с бурлящим, неистовым потоком истории. Пикассо был неутомимым искателем, разбивающий рутинные витрины прошлого, чтобы затем из осколков разбитого стекла возводить новые образы и новые композиции. В великолепных линиях "Авиньонских девиц" он оставил образ, чьи основные черты будут со временем схожи с чертами всех обликов.
§ 1. Герника
В начале января 1937 г. правительство Испанской республики заказало Пикассо большое полотно, или панно, для испанского павильона на Парижской международной выставке, которая должна была открыться в конце весны.
Прошли январь, февраль, март и почти весь апрель, а Пикассо все не брался за выполнение заказа. Толи не было вдохновения, толи он не находил темы. И вот 26 апреля 1937 года нацистская авиация, поддерживая Франко, бомбила баскский город Гернику – это была первая в истории тотальная бомбардировка. 1 мая Пикассо выполнил свои первые зарисовки, первые датированные эскизы по теме.
Бои на арагонском фронте, оборона Мадрида – все это эпизоды гражданской войны, бои, где солдаты воевали с солдатами, сколь бы неравной ни была эта борьба с военной точки зрения. Совсем другое дело – Герника. Бомбардировка Герники была бесстыдным применением огромной военной мощи нацистов, теперь уже против беззащитного гражданского населения. Реакция Пикассо на это была нравственной реакцией.
Одной из проблем, с которыми пришлось столкнуться Пикассо, когда он начал работать над «Герникой» (см. приложение 1), было устранение тех символов, которые ранее составляли основу его художественного языка. Это было необходимо ему для достижения более простого и непосредственного подхода к натуре и более гражданственного и реального отклика на трагедию, которую он хотел отобразить. Однако Пикассо все еще был опутан символами, с помощью которых он достигал самовыражения. Эскизы, которые он начал 1 мая, все еще носят следы этого иносказательного языка, от которого ему удается избавится лишь постепенно и не без труда. Эта борьба видна в контрасте между символами – бык и лошадь, которые по его первоначальному замыслу представляли испанский народ и фашизм. На первом этапе картина была огромным рисунком, гораздо большим, чем все предшествующие эскизы. Несмотря на то, что Пикассо работал кистью, это был тем не менее рисунок
Прошлое Пикассо было отмечено славой и увенчано многими победами («голубой период», « розовый период», кубизм и т. д.) Он хотел посвятить всё самое лучшее в себе - делу, которое он отстаивал.
В этот период испытаний Пикассо мобилизировался и стал солдатом, его искусство было полностью посвящено этому, а прошлое было поставлено на службу настоящему и приобрело моральную и гражданскую ценность.
Пикассо, совершив деяние, которое под силу разве что магу или полубогу, сумел создать в ”Гернике” реалистические черты, элементы своего «голубого периода», самые последние эксперименты в области сюрреализма и примитивизма. Кубизм и плоская живопись без перспективы – две главные черты, которые придают всей работе единство.
Анализируя «Геранику» в терминах пластического искусства, видно, что картина закрыта снизу, ограничена по бокам и открыта сверху. Почти все элементы способствуют образованию большего количества пустот или пространств, открытых сверху. В результате чего картина получает второй центр тяжести за пределами полотна. В этом смысле панно подымается все выше и выше и, хотя оно вытянуто по горизонтали, его физические пропорции психологически уравновешиваются и даже преодолеваются устремленностью картины вверх.
«Герника», совершенно очевидно, представляет собой резюме прошлого Пикассо как художника, разнообразие стилей и периодов, которые она демонстрирует, является свидетельством того, что самые различные тенденции могут сосуществовать и влиять друг на друга. Поэтому «Герника» не только картина о войне, это еще и картина, утверждающая сосуществование.
Любовь и сострадание Пикассо к тем, кого так зверски уничтожали, заставили его написать самую бессмертную из его работ.
§ 2. Послевоенный период (1945 – 1960-e)
Уже в мирное время, в 1946 году, Пикассо делает живописный ансамбль из 27 панно и картин для замка княжеской семьи Гримальди в Антибе - курортном городе на Средиземноморском побережье Франции. Панно в первом зале называется "Радость бытия" и вся серия выдержана в том же духе гармонии с природой и бытием - изображения фавнов, обнаженных девушек, кентавров, сказочных существ…
В 1946 году Пикассо знакомится с молодой художницей Франсуазой Жило и переезжает с ней в замок Гримальди. Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. Франсуазе посвящена картина "Женщина-цветок". (В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени - например, в серии рисунков тушью, изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой).
В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого "Голубя мира" (см. приложение 1) на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину "Резня в Корее" (Музей Пикассо, Париж). С 1947 года Пикассо живет на юге Франции, в городе Валлорисе, где расписывает в 1952 году стены старой капеллы аллегорическими символами войны и мира и сам называет все это "Храмом мира". В Валлорисе же Пикассо занялся керамикой. Он создает своих излюбленных персонажей - кентавров, фавнов, быков, голубей, женщин, делает антропоморфные кувшины. До сих пор в этом городке на юге Франции сохранились так называемые "керамические мастерские", которые продолжают держать марку "Пикассо" и тиражировать изделия, придуманные художником. В 1958 году уже признанный и прославленный художник создает для здания ЮНЕСКО в Париже монументальную композицию "Падение Икара". В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок. Она вдохновляет его на серию портретов, на которых можно увидеть ее точеный профиль сфинкса. Для нее и себя он покупает виллу в Каннах.
§ 3. Последние годы (конец 60-х - 1973)
В 1960-х годах Пикассо пишет различные вариации на темы прославленных мастеров - Веласкеса, Гойи, Манэ в свободной скандальной кубистической манере: "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Художественный музей, Базель), "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955), "Менины. По Веласкесу" (1957), "Завтрак на траве. По Мане" (1960).
Также в позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок) (см. приложение 1). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти. Умер Пикассо 8 апреля 1973 в возрасте 92 лет, мультимиллионером, в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). О смерти сам Пикассо говорил так: "Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня". Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника - уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов.
Пикассо умер на своей вилле Notre-Dame-de-Vie восьмого апреля 1973 года.
Заключение
Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века. А на мировых аукционах до сих пор отыскиваются и выставляются на продажу все новые и новые, пока еще малоизвестные работы прославленного мастера из его огромного наследия.
За свою долгую и творчески богатую жизнь Пикассо создал творения, которые даже наиболее враждебно настроенные критики его беспокойного поиска признают бесспорными шедеврами; однако в то же самое время некоторые обвиняют его во вредном и разрушительном влиянии на искусство, в трюкачестве, в том, что он скорее выступал в роли строящего козни дьявола, чем художника, стремящегося к расширению нашего восприятия богатства и разнообразия жизни.
О Пабло Пикассо и его мире будут говорить всегда, так как его творчество не поддается четкому и убедительному определению.
Гениальность Пабло Пикассо заключается в том, что он единственный из художников этого века, кто ввёл историю в своё творчество наравне со своей жизнью и до такой степени использовал наследие мирового искусства, с которым постоянно вёл диалог.
Для большинства Пикассо остаётся великим разрушителем лица. Если абстракционисты довольствовались его отрицанием, то Пикассо идет атакой на него, и не просто на образ классического идеала, установленный Ренессансом. Те, кто не признает Пикассо, делают это, по-видимому, не потому, что он деформировал природу, предметы и самого человека, но в первую очередь потому, что он осмелился "изуродовать", обезобразить образ женщины.
Картины Пикассо бросает вызов публике. Вызов же исключительно важен в искусстве. Искусство – это бескомпромиссная атака во всех направлениях. Композиции, которые идут на уступки с целью угодить зрителю и сразу получить признание, не могут называться искусством.
Список использованной литературы:
1 Алпатов М.В. , Искусство, Просвещение Москва 1969.
2. Брассай. "Встречи с Пикассо. Электронный ресурс http://picasso.urbannet.ru/library/brassay/
3. Большая советская энциклопедия под редакцией Прохорова А.М. Костеневич А.Г. от Моне до Пикассо, Издательство: Аврора, Ленинград 1989.
4. Дени Шевалье: «Пикассо. Голубой и розовый периоды».
5. Луначарский А.В. Молодая Французская Живопись, Современник 1913 №6.
6. Эренбург И. Французские тетради, Москва, Просвещение 1959. Электронный ресурс http://urss.ru/cgi-bin/db.pl?lang=Ru&blang=ru&page=Book&id=78807&list=18
7. Рассказы о шедеврах: по материалу рассказа Н.A.Иoниной, издательство "Вече", 2002.
8. В.М. Полевой, В.М. Маркузон: Популярная художественная энциклопедия.
Электронный ресурс http://www.rubricon.com/default.asp
9. Большая энциклопедия Кирилла и Мефодия 2001. Электронный ресурс
10. История изобразительного искусства 2002. Электронный ресурс
http://www.arthistory.ru/museum.htm
11. Пикассо. М., 1998 Ф. Галлуцци Серия: Мастера живописи, Издательство –
Белый город.
12. Статьи воспоминания Александра Бенуа. Выставка Пабло Пикассо 1939 г.
Электронный ресурс http://www.bibliotekar.ru/kBenua/33.htm
13. http://www.pablo-ruiz-picasso.ru/
14. http://slovari.yandex.ru
15. http://picasso.urbannet.ru/pica_bio.htm
16. http://risunok-spy.at.ua/index/0-8
Приложение
Курсовая работа выполнена мной самостоятельно. Использованные в работе материалы и концепции из опубликованной научной литературы и других источников имеют ссылки на них.
Отпечатано в ____1_____ экземплярах
Библиография____16____ наименований
Один экземпляр сдан на кафедру
«__» _____________2009 г. _______________/подпись/